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I NUOVI CREATORI DI FORME E DECORAZIONI
Le novità nascono in primo luogo dall'arte di levigare gli utensili di pietra: cambiano le forme, aumentano peso e dimensioni. Sotto la spinta di esigenze funzionali, si è cercata l'armonia dei volumi, delle proporzioni e delle linee, e si è giocato sugli effetti luminosi creati dalla lucentezza delle venature minerali. Quest'arte umile e quotidiana costituisce la base di quella dello scultore, e l'espressione di un'esigenza di bellezza nell'astrazione delle forme e delle superfici. Creatori sono anche i vasai e gli artigiani addetti alla lavorazione dei metalli: questi ultimi si distinguono dai primi poiché l'arte di fare i vasi era praticata anche a livello familiare, mentre bronzisti e orafi formavano una casta di artigiani specializzati e mobili. Ma gli uni e gli altri, eredi di forme dapprima create in pietra o argilla secca, legno, vimine e pelli animali, potevano dare campo libero alla loro immaginazione grazie alle proprietà della terracotta e del metallo. Malgrado la rozzezza dei mezzi a disposizione (il tornio a volano, la cui rapida rotazione è dovuta al movimento del piede, appare nell'Europa occidentale solo nella seconda metà del I millennio a.C), i vasai seppero creare una moltitudine di forme per tazze, bicchieri, flaconi, urne, giare, ed escogitare mille procedimenti per decorarne la superficie. Questa viene ora levigata, ora lasciata ruvida, e talvolta riceve l'applicazione di una patina lucida di colore nero o grigio. L'ornamentazione dipinta compare solo in Sicilia (motivi lineari in marrone o nero su fondo rosso o giallo) nell'età del bronzo antico, con vasi che tradiscono l'influenza delle forme egee. La decorazione è in genere ottenuta per incisione (più raramente per escissione di figure geometriche) o con stampi di varia natura (dita, unghie, bastoncini, pettini, bordi di conchiglie, cordicelle o punteruoli più o meno elaborati). I motivi si ripetono, creando figure ordinate e geometriche. Altre volte, infine, la superficie viene ornata con l'aggiunta di borchie. La combinazione di decorazioni e tipi di forme particolari è caratteristica dei singoli gruppi etnici, e permette di seguire la loro migrazione o diffusione all'interno dell'Europa occidentale. Le proprietà del bronzo e dell'oro offrivano agli artigiani molteplici possibilità, che essi sfruttarono senza grande originalità per fabbricare un vasellame destinato alle grandi occasioni, come i banchetti dell'aristocrazia o le offerte cultuali, le cui forme imitano, affinandole un poco, quelle del vasellame di terracotta. Il rinnovamento di forme e disegni si manifesta al meglio nella fabbricazione di armi e utensili, con tagli più lunghi, punte più acuminate e un alleggerimento dei volumi rispetto a quelli degli oggetti in pietra. Nell'arte dei gioielli si è poi dato libero sfogo al virtuosismo, adattando le loro forme alle parti del corpo o dell'abbigliamento destinate a riceverli e ricercando combinazioni astratte di linee e volumi. Ma anche in questo caso, elementi apparentemente legati al metallo come volute, spirali, anelli ritorti derivano senza dubbio da una tradizione ornamentale messa a punto inizialmente con materie deperibili come le fibre tessili, il legno lavorato a caldo o il vimine. I motivi ornamentali sono ottenuti sul metallo per incisione, stampa o sbalzo. Si tratta di figure geometriche diverse, linee di punti o di borchie, cordoni semplici o ritorti, oppure di un motivo circolare costituito da più corde concentriche avvolte attorno a una piccola borchia, in cui è inscritto un simbolo solare. Al termine dell'età del bronzo, tale disco solare è rappresentato su un carro tirato da un cavallo (Carro di Trundholm, Danimarca) o, più spesso, su una barca stilizzata dalle estremità sollevate in forma di collo di cigno. Osserviamo qui le vestigia di un culto solare diffusosi non attraverso il Mediterraneo ma per la via danubiana e l'Europa centrale.
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Per architettura intenderemo semplicemente
la costruzione in pietra, a carattere monumentale, di edifici generalmente
esemplari e destinati a durare. Il fenomeno interessa tutta l'Europa
atlantica, la Danimarca e la Germania settentrionale, le regioni
mediterranee di Francia e Spagna cosi come la Corsica e la Sardegna. Due
sono le tecniche attestate: quella della costruzione in pietre secche con
volta a sbalzo e quella della costruzione megalitica (di poco posteriore
alla precedente) con lastre monolitiche poggiate orizzontalmente su
ortostati.
Dopo la scomparsa praticamente totale dell'arte
paleolitica, l'epoca neolitica e l'età del bronzo l'hanno reinventata con
tecniche e basi completamente nuove. La capacità artigianale ha assunto un
ruolo fondamentale; nell'arte figurativa, lo schematismo si è sostituito
al naturalismo; la decorazione è astratta e geometrica. Le creazioni più
spettacolari sono quelle dell'architettura megalitica; il suo gigantismo,
tuttavia, vera sfida al tempo e agli uomini, non ha lasciato altro
retaggio che la tradizione delle tombe a tumulo, con conseguenze assai
minori, per la storia dell'arte successiva, di quelle dovute all'abilità
acquisita dagli artigiani della terracotta e del metallo.
A partire dall'età del ferro, dalI'VIII secolo a.C,
questa parte d'Europa diviene un'area di espansione per i coloni
provenienti dal Mediterraneo orientale, fenici, greci e focesi. È in
Italia che le civiltà protostoriche ricevono le maggiori sollecitazioni,
sotto la spinta congiunta della colonizzazione greca e del progresso della
civiltà etrusca, essa stessa nient'altro che una variante occidentale
dell'ellenismo. Le civiltà mediterranee riabilitano il naturalismo
moltiplicando le rappresentazioni dell'uomo e dell'animale e introducendo
nella decorazione i motivi vegetali.
A partire dal IV secolo a.C, si sviluppa presso i
grandi santuari delle regioni del sud-est spagnolo un'arte aristocratica
intrisa di influenze elleniche o puniche. Ad essa si deve una statuaria
votiva in pietra, a soggetto animale (cavalli del tempio di El
Cigarralejo, Murcia) o umano (Dama di Elche, Alicante; statue del
santuario di Cerro de los Santos, Albacete). In quest'ultima,
l'idealizzazione arcaizzante dei visi si unisce a un'atteggiamento solenne
e compassato, quasi ieratico. I gioielli e le pesanti stoffe degli abiti
sono trattati con enfasi e realismo. Negli stessi santuari troviamo anche
un'abbondante produzione di piccoli bronzi umani, spesso stilizzati. La
pittura vascolare attesta l'esistenza di un'arte più spontanea e vivace. È
realizzata con vernice bruna su fondo predisposto o copertura biancastra,
e presenta decorazioni animali o vegetali (in cui si riconoscono
reminiscenze dell'arte orientaleggiante del Mediterraneo) e personaggi
stilizzati, ora usati come motivo decorativo, ora integrati in
composizioni narrative. Il trattamento delle stoffe attesta a volte anche
in questa pittura lo stesso gusto del sontuoso che contraddistingue la
statuaria votiva.
In questa regione, una civiltà pastorale e
guerriera, aggrappata ai suoi nuraghi, ha resistito alla colonizzazione
punica e ha continuato ad esistere fino alla conquista romana, essa stessa
combattuta con una resistenza secolare. In un'epoca che si fissa oggi fra
l'VIII e il VI secolo a.C, ma con lunghe sopravvivenze fino al III secolo
a.C, i santuari sardi hanno ricevuto l'omaggio di numerose figurine umane
in bronzo. Queste rappresentano arcieri, guerrieri armati di spada e
coperti dallo scudo, condottieri che incitano o pregano, lottatori, una
divinità femminile che regge un guerriero morto sulle ginocchia, un essere
soprannaturale con un elmo ornato da due lunghe corna, munito di due paia
di occhi e due paia di braccia che reggono due scudi. In questi piccoli
bronzi, lo schematismo si lega intimamente al realismo, i visi sono
impassibili, le pose sobrie e insieme solenni. È possibile rilevare
influenze lontane, orientali o occidentali, e alcuni dettagli
dell'abbigliamento si ritrovano nell'arte italica coeva, ma l'originalità
d'insieme di questa produzione non può essere tuttavia
minimizzata.
Numerose sono in quest'area le civiltà risalenti
all'età del ferro; nella Penisola, esse appartengono per la maggior parte
a un vasto insieme detto "villanoviano", caratterizzato da una ricca
lavorazione dei metalli e da un fiorente artigianato della terracotta.
L'arte figurativa vi incontra ben presto un terreno favorevole. A partire
dalI'VIII secolo a.C, in un misto di incertezze formali e di stilizzazioni
in cui audacia e sicurezza si bilanciano pienamente, le rappresentazioni
dell'uomo e dell'animale hanno dato spunto a un gran numero di
metamorfosi, che vanno dall'astrazione dell'essere umano focalizzata sul
suo viso schematicamente geometrico (tali le maschere votive in bronzo di
Sicilia o quelle che cominciano ad antropomorfizzare le urne in Toscana,
come a Saturnia, in provincia di Grosseto), fino all'enigmatica parodia
della coppia suggerita dai cinocefali abbracciati dell'urna di
Pontecagnano (Salerno). Numerose sono le interpretazioni ornamentali
dell'uomo o dell'animale come anse di recipienti o manici su fianchi e
coperchio. Numerosi anche i recipienti in bronzo o in argilla, nient'altro
che un pretesto per creare un bestiario favoloso, ben diverso da quello
che le mode orientaleggianti cominciano a diffondere. È il caso del
piccolo carro bruciaprofumi dal corpo di uccello e le zampe e le teste di
cervo o di bòvide della necropoli di Monterozzi (Tarquinia); o deW'Askos
Be-nacci di Bologna, a forma di bovide-uccello, con l'ansa costituita da
un cavaliere con l'elmo e ricoperto da una decorazione stampata che
stilizza di volta in volta ali, piume o pelame.